Hay muchas maneras de sentir, aprender, crear y expresarnos. Esta entrada es, antes que nada, una rememoración: la de un camino recorrido durante años, hecho de experiencias, aprendizajes y sueños compartidos con otras personas que creyeron, como nosotros, que la danza y la música podían ser un lugar de encuentro para cualquier cuerpo y cualquier forma de sentir el mundo.
De ese camino se teje Navegando al son de la neurodiversidad, una cartilla acompañada de tesoros sonoros y audiovisuales; una investigación creación que nace del encuentro, del cuerpo y de la creatividad, sostenida por una convicción sencilla: la diversidad no es un obstáculo, sino una posibilidad para imaginarnos juntas y juntos. En sus páginas recogemos esa certeza en forma de herramientas, reflexiones y experiencias pensadas para imaginar otras maneras de vivir la música y de construir una educación artística donde todas las personas tengan un lugar.
El jueves 5 de noviembre de 2026 abrimos las puertas de esta embarcación. Ese día conocemos sus tesoros y navegamos juntos el sitio web donde vivirá la cartilla, para todas las personas que quieran sumarse a seguir imaginando, con nosotros, otras formas de vivir la música.
¡Soltemos amarras y naveguemos hacia otras formas de ser, sonar y soñar!
Cinco claves sobre cómo la neurodiversidad está transformando la educación musical
Durante años, la educación artística y musical ha enfrentado serias barreras y prejuicios al abordar la formación de personas con discapacidad o trastornos. Históricamente, la falta de herramientas técnicas adecuadas, la incertidumbre docente (ante la usencia de herramientas) y un enfoque metodológico rígido han limitado el acceso de esta población a los espacios de aprendizaje, reduciendo con frecuencia su participación a actividades pasivas o meramente asistenciales que invisibilizan su potencial creativo.
Sin embargo, a través de la cartilla "Navegando al son de la neurodiversidad: Cartilla pedagógica y didáctica de formación para la creación musical con enfoque diferencial", orientada a formadores de música y artes integradas, docentes y gestores culturales, se plantea que la condición neurodiversa no debe asumirse como una limitante, sino como una oportunidad para impulsar la innovación artística, la equidad y la inclusión activa en el ecosistema cultural.
Clave 1: Más allá del asistencialismo: Reconocer al participante como creador con calidad estética
La metodología propuesta transforma la visión de la enseñanza artística al dar un paso decisivo desde el modelo asistencialista hacia uno centrado en la autonomía, la identidad sonora y la dignidad corporal. Este enfoque orienta el proceso hacia la creación colectiva y la conformación de ensambles musicales proyectables que integran instrumentos melódicos, de percusión y voz.
De este modo, se dignifica a la persona neurodiversa al reconocerla como un creador pleno, capaz de producir arte adaptado de incuestionable calidad estética. Al elevar al participante al rol de artista activo dentro de la formación y la agenda cultural, la propuesta reconfigura la formación musical como un derecho fundamental.
Clave 2: El diagnóstico clínico como hoja de ruta y no como limitante (Edad y alcance)
Para garantizar un proceso formativo riguroso, orgánico y adaptado a las artes integradas, la metodología establece como requisito una edad mínima de 7 años cumplidos y contar con un diagnóstico clínico establecido. Lejos de funcionar como una etiqueta segregadora o un techo para el aprendizaje, el diagnóstico constituye un insumo pedagógico esencial que sirve como hoja de ruta para comprender las características del estudiante y trazar ajustes razonables a su medida. Desde esta perspectiva, la teoría musical no se imparte de forma rígida, sino que se aborda desde enfoques básicos e intuitivos que resultan asequibles para el participante, progresando gradualmente hacia alcances más amplios conforme a sus posibilidades individuales.
De acuerdo con el marco del proyecto, la población cubierta abarca las siguientes condiciones:
Discapacidad intelectual, Síndrome de Down.
Discapacidad física.
Discapacidad sensorial (auditiva y visual).
Trastornos, como Autismo.
Clave 3: Herramientas concretas de comunicación y ajustes razonables en el aula
La operatividad del enfoque diferencial dentro del aula artística se demuestra cuando la inclusión se traduce en estrategias metodológicas concretas. Para eliminar efectivamente las barreras de acceso y asegurar una equidad real en el aprendizaje de la música y las artes integradas, la propuesta implementa ajustes razonables que contemplan el uso formal de la Lengua de Señas Colombiana (LSC) y la incorporación de sistemas pictográficos de comunicación. Estas herramientas permiten estructurar los contenidos teóricos y prácticos según las potencialidades individuales de cada estudiante, garantizando que el desarrollo técnico y la vivencia estética sean derechos ejercidos con pleno rigor.
Clave 4: Un viaje estructurado en tres ejes
Utilizando la metáfora de una navegación marítima para hacer el proceso pedagógico accesible, progresivo y estimulante, el material organiza la ruta de aprendizaje en tres bloques secuenciales diseñados para fortalecer la autonomía y la capacidad expresiva:
Bloque I. Presentación (La preparación de la embarcación): Constituye la etapa de alistamiento y diagnóstico inicial, donde se acondiciona el entorno pedagógico, se reconocen las particularidades del grupo y se sienta la base de confianza necesaria para la travesía creativa.
Bloque II. El viaje por los puertos (Momentos): Representa el núcleo del proceso itinerante de aprendizaje, estructurado en momentos pedagógicos donde se abordan progresivamente los contenidos musicales, la teoría adaptada y la práctica colectiva en los ensambles.
Bloque III. Baúl de herramientas: Funciona como un repositorio práctico y didáctico que reúne los recursos metodológicos, pictogramas, adaptaciones técnicas y estrategias diferenciales para que el docente pueda resolver las necesidades específicas del aula en tiempo real.
Clave 5: Profesionalización docente y legado pedagógico-patrimonial
El impacto de esta publicación y sus tesoros sonoros y audiovisuales trasciende la práctica aislada del aula para proyectarse de manera sistémica en el sector cultural. Al ofrecer una metodología validada, la propuesta combate el temor y la falta de herramientas técnicas en los educadores, profesionalizando la labor del artista formador en cualquier región del país y fortaleciendo la formación musical con enfoque diferencial. Asimismo, la preservación de esta investigación creación, asegura que este saber pedagógico y didáctico se convierta en un activo patrimonial que fortalezca el ecosistema artístico local, regional y nacional desde un enfoque de vivir sabroso, equidad y derechos humanos.
!Zarpamos!
La adopción de metodologías pedagógicas inclusivas en la música y las artes integradas democratiza de manera sustancial el acceso a los bienes y servicios culturales, permitiendo que la población neurodiversa ejerza su derecho a la creación en igualdad de condiciones. Este cambio de enfoque empodera individualmente a los participantes y a sus familias, lo que enriquece de forma invaluable al ecosistema artístico al diversificar las estéticas, las narrativas y los roles dentro de la agenda cultural. Se busca transformar la formación artística en un territorio accesible y amoroso.
Guías, catálogos, manuales y publicaciones de la Bienal de grafiti y arte urbano
Graffitis y murales de gran formato de Leodos, Kozte y Pastwo en la comuna 10 La Candelaria, fotografía: Palomo - La Crema, 2025.
Medellín pinta, camina, cataloga y preserva los graffitis y murales en el espacio público. Hoy les traemos tres publicaciones que nacen de la Bienal LATIDOS — una guía, un manual y un catálogo — para que el arte urbano de la ciudad circule, se consulte y se recuerde.
Catálogo – guía / galería ruta Latidos: una invitación a caminar el centro
El Arte Urbano se ha consolidado como uno de los lenguajes culturales más visibles de las últimas décadas en Medellín. Surgido en las calles y fortalecido en los barrios, hoy constituye un entramado diverso donde confluyen artistas, colectivos, escuelas, festivales, emprendimientos creativos, organizaciones comunitarias y entidades públicas, todo un ecosistema completo y complejo tejiendo ciudad.
Esta guía es la puerta de entrada a ese entramado: el mapa general que permite entender las 7 obras (3 murales y 4 graffitis) que conforman la Galería Ruta Latidos como lo que es, una apuesta integral por el centro de la ciudad como territorio donde el graffiti y el arte urbano son un lenguaje central de la cultura y la marca creativa e innovadora del Distrito.
Manual de Mediación Ruta Galería LATIDOS: para obras de graffiti y muralismo de gran formato
El manual de mediación es una publicación para promover la apropiación del espacio público a través del grafiti y el arte urbano. Está pensado para guías, investigadores y ciudadanos inquietos, preparándoles con distintas herramientas para recorrer e interactuar con siete intervenciones monumentales, ubicadas en puntos estratégicos de alta circulación peatonal y de gran valor histórico en la comuna 10, La Candelaria de Medellín.
Recorrer esta ruta es leer la ciudad de otra manera: el manual abre nuevas formas de lectura, diálogo y encuentro con un territorio que ya conocíamos, pero que el arte urbano nos persuade a mirar distinto.
Catálogo Latidos Callejeros: la calle también entra a la galería
Si la guía enmarca y el manual invita a caminar, el Catálogo de la exposición Latidos Callejeros invita a quedarse. Esta publicación reúne las obras y los procesos creativos de la exposición de la Bienal Latidos 2025, que celebra el grafiti y el arte urbano como lo que siempre han sido: expresiones visuales de encuentro y transformación del espacio público, pero que también, y sin perder su fuerza, pueden habitar galerías y museos.
El catálogo documenta artistas y obras, dejando un documento para la circulación, la investigación y la memoria cultural de graffiteros, muralistas y artistas visuales de mediana y alta trayectoria que habitan la ciudad.
Tres formas de guardar todos estos pulsos y latidos. Tres publicaciones que parten de la misma convicción: lo que pasa en los muros de Medellín merece quedar documentado, consultado y puesto en circulación, para seguir caminando, mirando y creando el espacio público.
La Práctica: Graffitis y murales realizados en la sede Guayabal de la Fundación Universitaria Bellas Artes, 2026.
¿Qué queda después de encontrarnos, conversar, crear y compartir saberes? En Superficies 2026 queda, sobre todo, murales, graffitis y memorias que hoy pueden consultarse, revisarse y ponerse a circular.
La Sistematización del Seminario de Grafiti y Arte Urbano de Medellín — Superficies 2026 reúne las experiencias, metodologías, reflexiones y resultados construidos durante este segundo encuentro anual, pensado como un espacio para fortalecer las manifestaciones creativas y culturales vinculadas al grafiti y al arte urbano gráfico del Distrito de Medellín.
Este documento propone una mirada sobre lo ocurrido en el seminario y sobre los saberes que emergieron de sus distintos espacios de encuentro. Es un ejercicio de memoria, documentación e investigación que busca reconocer las voces, prácticas y experiencias que sostienen estas manifestaciones culturales.
El Compartir: Talleres teórico prácticos con AMBS, Fluffy, La Plaga y Sr. Ok, en la sede de la calle Ayacucho de la Fundación Universitaria Bellas Artes, 2026.
El Seminario Superficies 2026 se desplegó en tres momentos que articularon distintas formas de aproximarse al arte urbano:
La Palabra, como espacio para la formación, el diálogo, la reflexión y el intercambio de saberes.
El Compartir, como momento de encuentro y aprendizaje teórico práctico.
La Práctica, como espacio para crear y poner en relación el conocimiento con el hacer.
Cada momento aportó una perspectiva propia al seminario, y en conjunto permitieron construir una experiencia que entrelazó reflexión, formación, participación y creación alrededor del grafiti y el arte urbano.
La Palabra: Panel de política pública, conferencias, diálogos de saberes, exposición y recorrido, Palacio de Bellas Artes, paseo La Playa, 2026.
Sistematizar es detenerse a mirar lo vivido, identificar aprendizajes y reconocer aquello que puede proyectarse hacia nuevos procesos.
Esta publicación aporta elementos para comprender los desafíos y las posibilidades de seguir fortaleciendo el arte urbano en Medellín. La sistematización se convierte así en una herramienta para documentar las prácticas, preservar las memorias y producir conocimiento sobre las formas en que estas expresiones construyen ciudad.
Superficies 2026 hace parte de un proceso que busca reconocer el grafiti y el arte urbano como manifestaciones culturales dinámicas, portadoras de saberes, experiencias y memorias que se transforman constantemente en el territorio.
Publicar esta sistematización abre una nueva etapa: la de volver sobre lo vivido para compartirlo y ponerlo en circulación, en lo posible, para siempre.
Sinopsis: Sentir Pensar Punk es un seriado web documental que explora el espíritu del punk en Medellín como forma de vida, pensamiento crítico, música, resistencia cultural y práctica creativa. Cada capítulo se adentra en las experiencias de personas claves de Medellín y Valle de Aburrá: bandas, colectivos, creadoras y creadores que han construido territorios de libertad desde la autogestión, el ruido, la disidencia y la comunidad.
El seriado hace parte del proyecto Hazlo Tú Mismo. Economía Punk Medellín, una investigación–creación que sistematiza 40 años del punk, que como cultura ha generado redes de economía alternativa y gestión cultural independiente en la ciudad: producción musical, circulación de fanzines, espacios autogestionados, edición, gráfica, vestuario, festivales y opciones de vida que sostienen una escena viva, diversa y desafiante.
A través de testimonios, archivos y memorias, el seriado audiovisual muestra el punk como una fuerza que transforma, une, cuestiona y crea futuro. Es un recorrido por las luchas, alegrías, contradicciones y potencias de una cultura que no se detiene y que sigue creando mundo desde abajo, entre todxs.
Año: 2025
Narrativas transmedia (Episodio 0)
Sinopsis: Historias punk sin punto final. En este capítulo, la presentación de las narrativas transmedia y la periodización en la que se basa el seriado. Construyamos memorias en diálogo.
Volverse punk (Episodio 1)
Sinopsis: En esta cápsula audiovisual rendimos homenaje a Faber López y Joaquín Vasco, dos representantes de la escena, quienes nos cuentan cómo llegaron al punk, que significa el Hazlo Tu Mismx y anécdotas que les sucedieron entre 1985-1989, cuando el punk era de galladas, notas y barrios.
Medellín ciudad punk (Episodio 2)
Sinopsis: En esta cápsula audiovisual, Piedad Castro y Fabio Garrido, dos referentes de la escena, nos hablan de comienzos de los noventa (1990-1994), el Hazlo Tu Mismx y las migraciones nómadas punk que ocupan otros territorios de la ciudad.
Radios punk (Episodio 3)
Sinopsis: En esta cápsula audiovisual Mónica Moreno de I.R.A. y Jorge Valencia de Suburbia, comparten su visión del punk, como viven el Hazlo Tú Mismx y el contexto de una generación dividida en diversas frecuencias con nuevos altavoces.
Horizontes punk (Episodio 4)
Sinopsis: En esta capsula audiovisual Carolina Montoya y Juan David Villegas (Winny), reflexionan sobre el punk en sus vidas, el Hazlo Tú Mismx y acontecimientos que les marcaron en medio de la rotunda escisión de la escena en el cambio de siglo.
Puentes punk (Episodio 5)
Sinopsis: En esta capsula audiovisual Analú La Feral y Camilo Gaviria “PUGA”, narran su llegada a la escena, cómo experimentan el Hazlo Tú Mismx y algunas de sus vivencias alrededor del punk como actitud ante un gusto musical (estética) profesional.
33 1/3 (micro) revoluciones punk (Episodio 6)
Sinopsis: En esta capsula audiovisual Yuliana Rodríguez y Angela Torres nos cuentan sus relaciones con el punk, los significados que le dan al Hazlo Tú Mismx e historias que mezclan cultura libre e industria musical.
La historia siempre empieza por el final
El ciclo cierra en Medellín y el Valle de Aburrá, avanzando hacía el futuro. Sentir Pensar Punk, el seriado web del archivo Hazlo Tú Mismx, reúne siete cápsulas: una que presenta las narrativas transmedia del propio proyecto, y seis dedicadas a seis períodos en los que se ha historizado la escena, construidos con testimonios directos de quienes la protagonizaron y material de archivo. Es la misma posición que ya había ensayado México y Argentina en sus documentales —ni la mirada externa del periodista ni el simple testimonio suelto, sino un dispositivo intermedial que se explica a sí mismo—, solo que aquí ese dispositivo no pertenece a un director, sino a la plataforma entera.
El material con el que están hechas esas cápsulas es, otra vez, el que Botinada enseñó a tomar en serio desde la primera sesión: fotografías, publicaciones no periódicas —fanzines, volantes, todo lo que nunca fue disco pero sostuvo la escena tanto como los discos—, registros de video de eventos, actores y escenarios propios de cada momento, más imágenes de archivo de videos crudos de canales amateur para el contexto histórico general. Nada de esto es música. Todo esto es lo que queda cuando la música va a sonar o ya sonó.
Hay un gesto más interesante de las cápsulas, que tiene que ver con los archivos conexos en siete listas de reproducción que las acompañan. Las primeras seis reúnen registros hechos durante cada período, en su propio tiempo. La séptima, la que cubre 2019 a 2025, no cierra la serie: la abre. Aquí se usa como primera. Es una inversión pequeña pero decisiva, porque es exactamente lo contrario del gesto que veníamos notando en los documentales de Brasil, Perú y Chile —esa manera de hablar del punk como de algo ya terminado, mirado desde después de su declive—. Empezar por lo más reciente es negarse a contar esta historia desde el final. Es decir, antes de cualquier otra cosa: esto sigue pasando ahora, y solo después vamos a ver de dónde viene.
Cada uno de esos registros, periodo por periodo, deja ver algo que ninguna síntesis puede reemplazar: las prácticas predominantes de la escena, el estilo que se impuso en cada momento, la materialidad concreta de los espacios donde todo esto ocurrió. No es repositorio pensado solo para mirar hacia atrás —está hecho, dice el propio proyecto, tanto para quienes hacen parte de la escena hoy como para quienes la van a investigar mañana—. Presente y futuro, en la misma frase, sin pasado que los separe.
Después de recorrer São Paulo, Lima, Santiago, Buenos Aires y Ciudad de México —mapas prestados de escenas que tuvieron que pelear, cruzar fronteras o esperar a que el mercado las alcanzara— el ciclo no termina resumiendo lo que se vio. Termina devolviendo esa misma mirada sobre la ciudad que ha estado mirando todo este tiempo. Sur-terráneo prometía, desde su nombre, una cartografía que corría por debajo, conectando sur con sur. Sentir Pensar Punk es el punto exacto donde ese túnel sale a la superficie en casa, y sale empezando por la tierra que todavía se está removiendo.
