A los diez u once años, Pastwo encontró en las clases de graffiti
con el Shamo la vía para canalizar la rebeldía que lo definía en el colegio. Lo
que comenzó como una práctica de "hacer el daño" se transformó en una
pasión cimentada en el hip hop y la influencia del punk, impulsada por
la mentalidad y libertad que su madre Vicky Castro y su tía Piedad Castro, fundadoras
de la agrupación de punk Fértil Miseria en 1990.
Pastwo es un escritor de graffiti por convicción, diseñador
gráfico y artista urbano desde el 2014, dedicado a pintar sus letras y piezas
de manera legitima, por comisiones y
contratos. Su foco está en la gráfica y la técnica, no en el contexto social o
político, y su estilo utiliza una sobreexplotación de color, decantándose por
paletas saturadas (colores primarios y fuertes) para generar un impacto visual
potente que "deslumbre" a quien lo observe.
Él crea su propio estilo gráfico urbano de letras a través
de años de composición y práctica constante. Esta pasión y disciplina le han permitido un flujo de trabajo
significativo donde destaca por su estilo, su carrera y los contactos y
relaciones construidas en la calle y el mundo urbano.
Pastwo ha consolidado su carrera principalmente en el ámbito nacional. Su
participación más reciente es un mural de gran formato en el edificio Ecci
(Avenida Oriental), parte de la Bienal Latidos, donde rinde homenaje a su
madre Vicky Castro. Mira parte del proceso aquí
Su espíritu inquieto lo ha llevado a entrar en otros campos
del arte urbano, creando la marca de moda colombiana Roof toop💎
(@rooftoop_colombia) la cual se ha posicionado fuertemente en el nicho del streetwear,
ofreciendo un estilo urbano, contemporáneo y callejero que resuena con la
cultura juvenil. La marca se especializa en la creación de prendas de vestir
informales y distintivas, como camisetas chaquetas, gorras y accesorios, que reflejan la influencia del skate, el hip-hop y el
graffiti sin permisos, fusionando comodidad y rebeldía, para expresar identidad
a través de un vestuario moderno y con carácter.
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A Kozte le gustó dibujar desde niño; empezó el graffiti de letras en el colegio y se formó como Diseñador Gráfico. Empezó a pintar murales en las casas de sus familiares y alrededor del barrio donde vivía. Un punto de inflexión significativo en su proceso de profesionalización fue una convocatoria de arte urbano, dónde, aún sin experiencia, entró a conocer la escena, materiales (aerosol) y a definir su camino.
Kozte, comenta que en su trayectoria, rápidamente se sintió atraído por el muralismo, especialmente el retrato en gran formato. Esta preferencia definió su metodología de trabajo desde el principio: al ser obras que requerían una ejecución prolongada, pintar en un espacio sin permiso resultaba demasiado complejo e inviable. Por ello, su práctica se centró en la gestión proactiva de los espacios, buscando el muro, tocando la puerta y pidiendo autorización a los dueños o propietarios involucrados.
Su estilo está marcado por el arte latinoamericano, ejecutado a partir de capas y paletas saturadas, con una amplia gama de colores, quizás como una referencia los estímulos visuales con los que creció, en Magangué y la costa atlántica. En sus palabras:
Mi obra se distingue por una fusión de técnicas que integran elementos del muralismo y el graffiti tradicional con recursos del arte contemporáneo, logrando un lenguaje visual dinámico y altamente expresivo. Esta experimentación técnica se complementa con una fuerte narrativa visual que invita a la reflexión y al reconocimiento de la diversidad humana.
Respecto a su trayectoria internacional, Kozte ha construido su camino bajo la filosofía del hazlo tú mismo, o como el mismo expresa, "No esperes a que te llamen, haz que suceda". Tras años esperando una invitación formal a festivales, decidió que no podía esperar más para cumplir su sueño de pintar en el extranjero.
Su primer gran viaje autogestionado fue a México por casi dos meses, una experiencia que le confirmó el valor de viajar solo y lo motivó a seguir. Este espíritu proactivo lo llevó incluso a Panamá, donde gestionó un evento completo: consiguió patrocinador, el muro e invitó a otros dos artistas.
Desde ese inicio en 2019, Kozte ha mantenido sus procesos orgánicos, viajando y solucionando en el terreno, desde lo empírico: experimentando, explorando e (re)inventando. Hoy, seis años después de su primera aventura por fuera, afirma que cerca del 90% de sus experiencias internacionales han surgido de esta forma: llegando al lugar, preguntando, y haciendo que las oportunidades se materialicen:
Mi trabajo se caracteriza por una profunda sensibilidad
social y una clara intención de visibilizar a personas y comunidades que suelen
pasar desapercibidas en el entramado de la sociedad contemporánea. En este
sentido, mis retratos intensamente contrastados y el uso intencional de paletas
de colores saturados actúan como reflectores sobre las culturas retratadas,
elevando su valor simbólico y resaltando su papel dentro del ecosistema global.
Kozte es líder y gestor cultural de Surreal street art fest (@surreal.artfestival), una plataforma internacional para la convergencia del graffiti lettering y el muralismo contemporáneo en Medellín. Nacido en 2017, el festival se distingue por su apuesta por el gran formato y la calidad artística, reuniendo a creadores locales e invitados internacionales provenientes de importantes escenas globales (como París, Londres, Verona y diversos países latinoamericanos) para encontrarse, pintar y afianzar lazos y amistad.
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A los catorce años, Leo2 encontró en los muros una forma propia de respirar. No pintaba para escapar, sino para entender lo que lo rodeaba y quizás hacerse uno.
En las noches y los días en Angelópolis (Antioquia) y luego en las calles de Medellín y otras ciudades aprendió a leer las calles, a descifrar su pulso, a reconocer a otros escritores que también hablaban con letras y color. Desde entonces, su inspiración ha estado ligada a ese acto de caminar, observar, dejarse afectar y ver en los muros.
Al final creo que la calle es mi gran inspiración. De ahí he sacado la mayor parte de mis ideas. Pintar y estar presente en ella es lo que me ha movido a seguir pintando todos estos años.
Esa relación orgánica con el espacio público define su obra: un diálogo entre el grafiti y el paisaje, entre la memoria urbana y la intención que radica en el yo de hacerse notar.
El estilo que representa surge a partir de la fluidez de los tags, los dinámicos y complejos trazos de la escritura salvaje de letras, acompañado de fondos inspirados en la naturaleza fantástica y los bellos paisajes colombianos donde la fauna y la flora son temas recurrentes, enmarcados en arboledas coloridas teñidas del amarillo profundo de los guayacanes.
La calle es su aula, su taller y su galería. Allí sus prácticas gráficas y visuales se hacen escritura y cuerpo: se comparte, se discute, se borra, se lucha, se vuelve a pintar.
El graffiti para Leo2 es "una pasión y forma de posicionamiento que le permite superarse y estar seguro desde un lugar de enunciación que lo hace sentir cómodo", viviendo un intenso ahora. En sus obras y piezas se conserva su raíz nómada y su espíritu libre, pero también nos invita a la contemplación. En su trabajo, la calle es territorio que late con lo afectivo, lo autoral, lo abstracto y el presente.
Aunque así mismo y para la comunidad se reconoce como un graffitero tradicional, su trabajo esta en esa frontera entre el grafiti y la pintura mural contemporánea. Su dominio del las letras de estilos salvajes y codificados concretan lo formal al convertir la letra en territorio, la palabra en paisaje, y el tag en fondo o cielo.
En el gesto de Agüd, la infancia no es un recuerdo ni un tema; es un horizonte que se impone, una pulsación transmitiendo, todavía habitándonos.
Con más de catorce años de experiencia en muralismo, pintura y procesos comunitarios, este artista colombiano imprime en el muro la verdad de lo que no se olvida: la memoria, la desigualdad, la resistencia. Su obra es viaje y territorio, pero también retorno: a los rincones donde fuimos niñas y niños, donde aún vuelven a nacer las preguntas que nadie contestó.
Desde Colombia hasta España, Brasil, México, Perú, Italia y Estados Unidos, Agüd ha intervenido muros y espacios públicos, no para adornarlos, sino para reescribirlos. En la frontera entre México y Estados Unidos, su mural se ganó miradas por lo que denunciaba —la deshumanización de quienes migran— y por lo que ofrecía —su humanidad de vuelta.
Porque en su práctica, el arte es acción: junto a comunidades vulnerables, en contextos de migración o exclusión, ha liderado proyectos donde el muralismo se vuelve vehículo de transformación y sanación colectiva.
En esos muros, pintados en escucha y en comunión, Agüd despliega su compromiso: utilizar la creación plástica como herramienta participativa, como espacio de encuentro entre generaciones que han sentido la infancia como vulnerabilidad o el mejor momento de la vida. Su trabajo junto a fundaciones y comunidades transforma las paredes en cuadernos públicos gigantes de voz compartida.
La infancia se evoca y plasma como territorio simbólico y político: territorio de derechos, de memoria, de lucha. En los barrios y zonas donde interviene el arte dialoga con la desigualdad, con la marginación, con la esperanza y la vida cotidiana de la gente.
Visualmente, su obra combina figuración con atmósferas casi oníricas: rostros de niños, expresiones detenidas, paletas de colores que evocan el polvo del camino, las estrellas, las situaciones pasando, el sol que atraviesa la grieta de un muro.
Su estética se sitúa en ese espacio híbrido entre el muralismo latinoamericano, el arte urbano contemporáneo y la intervención comunitaria: sale a la calle a inspirarse, tensiona sus ideas con los cuadros vivos de los espacios, comparte con la gente entendiendo sus necesidades y construye procesos. Lo participativo no es accesorio, es método, y quizás el corazón, la obra misma.
«A través del mural busco que la infancia no sea solamente lo que fue —la nostalgia— sino lo que podría ser: un derecho, una voz, un territorio para imaginar juntos». (AGÜD, entrevista para Infobae, 2025) infobae
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Con una trayectoria artística de más de 17 años, Worm, se ha consolidado como diseñador gráfico, escritor de graffiti y formador en la ciudad de Medellín. Muy joven empezó su exploración de la calle, el aerosol y el graffiti, con el colectivo Graffiti de la 5, y esa pasión lo llevó a desarrollar proyectos que van más allá de las paredes, su principal pasión.
Uno de sus hitos más destacados es la creación y edición de la revista de arte urbano Espacio Público con Graffiti de la 5, una de las primeras en su género en Medellín, así como del libro pedagógico-lúdico Estilos y Colores, dedicado al análisis, la enseñanza y la diversión de los estilos de graffiti, pensado para público infantil-juvenil.
Su recorrido como escritor ha estado marcado por una dedicación firme al estilo salvaje (wild style) de la escritura urbana: desde throw-ups y block letters, hasta desarrollos complejos de wild style, siempre experimentando con nuevas técnicas y soportes.
Su conocimiento de diseño gráfico ha sido clave para evolucionar en las letras, el arte urbano comercial e independiente, y para colaborar con otros artistas en comisiones y trabajos conjuntos. Worm no sólo pinta: comunica, investiga, enseña y apuesta por una vida artística que conecta estética, calle y técnica.
En sus propias palabras: “Para mí el graffiti es un salvavidas … hoy vivo netamente de hacer letras, de escribir y de hacer graffiti y murales. Pasó de ser hobby a ser trabajo” (Revista Cartel Urbano). En su Instagram @wormwh o @WormPieces se pueden seguir sus piezas, lanzamientos y proyectos editoriales.
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El primer mural que marcó el rumbo de la carrera de Eskibel apareció en 2009, cuando tenía apenas 16 años. Ya llevaba varios años explorando el graffiti y el tagging en las calles, experimentando con el aerosol y con la estética —y la ética— que define esta cultura urbana. Hasta mediados de 2018, la calle fue su principal escuela: allí aprendió las técnicas, los códigos y la potencia expresiva del muro como espacio de resistencia y comunicación.
En 2014 ingresó a estudiar Sociología en la Universidad de Antioquia, y esa experiencia académica transformó su mirada sobre el arte. Durante varios semestres desarrolló investigaciones sobre arte urbano, reflexionando sobre sus dimensiones sociales, políticas y simbólicas. De ese proceso surgió una propuesta visual vinculada al discurso del nuevo muralismo, corriente que integra elementos de la pintura de estudio, el muralismo clásico y el street art, con la intención de generar obras de alta plasticidad que inviten a la reflexión crítica.
El paso del graffiti al nuevo muralismo supuso para Eskibel una transformación profunda en su relación con la calle, los tiempos de producción y los territorios. Apoyado en los saberes sociológicos, la cultura Hip Hop y el proceso organizativo dela corporación Manguala, busca crear imágenes humanistas, cargadas de sentido social y diálogo comunitario. Cada mural se convierte en una conversación con quienes habitan los espacios donde trabaja, una apuesta que conecta su obra con el arte relacional y con la escucha activa de los territorios.
A lo largo de más de diez años de trayectoria, Eskibel ha participado en numerosos festivales locales, nacionales e internacionales, así como en espacios de conferencia y formación artística. Su práctica no se limita a la pintura: se expande hacia la enseñanza, la investigación y el debate sobre el papel del arte urbano en la transformación social. En cada muro, su obra deja ver una búsqueda constante por conectar estética, pensamiento crítico y memoria colectiva.
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El nombre de Mela empezó a aparecer en los pupitres y paredes de la institución educativa donde estudio el bachillerato. Desde el 2007, escribe en los muros de Medellín, dibujando con aerosol un universo propio de formas, trazos y colores. Escritora de graffiti, artista urbana y diseñadora gráfica, ha construido una trayectoria sólida dentro de la escena local, transitando por distintos estilos hasta encontrar en el estilo salvaje —la escritura entrelazada, compleja y codificada— su sello distintivo.
Su dominio técnico del aerosol la llevó a explorar el muro las superficies desde una mirada más amplia, donde el diseño y la composición dialogan con el entorno. Ese mismo interés la impulsó a estudiar diseño gráfico, una formación que potenció su creatividad y le permitió establecer colaboraciones, comisiones y proyectos independientes dentro y fuera de la ciudad.
Además de su práctica artística, ha desarrollado una valiosa labor como artista formadora, trabajando de manera independiente y en alianza con proyectos comunitarios, cajas de compensación y entidades privadas. En sus talleres, el arte y las prácticas del graffiti se convierten en un camino de vida para niñas, niños y jóvenes en contextos de vulnerabilidad, invitándolos a transformar sus entornos desde la creación y la palabra visual.
En una escena que históricamente ha sido masculina, Mela destaca por su presencia activa: ha sido convocada a concursos, festivales, conversatorios y talleres, tanto nacionales como internacionales, muchas veces siendo la única mujer en presencia del aerosol. Su trabajo es, así, un acto de visibilidad y emancipación, un gesto que abre espacio para nuevas voces en el arte urbano.
Con estilo firme, compromiso comunitario y formación técnica, Mela sigue dejando su firma —literal y simbólica— en los muros de Medellín, ampliando el legado del graffiti con conciencia, técnica y sororidad.
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Hablar de Santiago Castro Pulido es recorrer más de dos décadas de historia del graffiti y del arte público en Bogotá y en otras ciudades del mundo. Artista urbano, investigador y curador, su trabajo ha sido un punto de encuentro entre la calle y la academia, entre el gesto espontáneo y la reflexión crítica. Con más de 25 años de trayectoria, Santiago se ha consolidado como una de las voces más lúcidas del arte urbano colombiano.
Formado como Maestro en Artes en la Universidad de los Andes y Magíster en Producción Artística por la Universidad Politécnica de Valencia, su práctica abarca desde el muralismo de gran formato hasta proyectos curatoriales y editoriales. Es miembro de colectivos emblemáticos del graffiti bogotano como MDC, Vértigo Graffiti y OKC, con quienes ha desarrollado intervenciones murales en más de diez ciudades alrededor del mundo.
Su obra explora las relaciones entre arte urbano, memoria y territorio. Uno de sus trabajos más reconocidos, El Beso de los Invisibles (2013), se convirtió en un ícono del muralismo contemporáneo por su potencia poética y su lectura sobre la exclusión social. Pero su legado no se detiene en el muro: Santiago también ha liderado investigaciones y publicaciones fundamentales para la construcción de políticas culturales en torno al graffiti. Entre ellas destaca Diagnóstico Graffiti Bogotá 2012, proyecto apoyado por Idartes y el Ministerio de Cultura, considerado una base para la política pública de arte urbano en la capital y en Colombia.
Además de su obra mural, ha desarrollado proyectos que cruzan la escritura, la edición y la curaduría independiente. Entre sus iniciativas se destacan:
Su práctica, entre el arte y la investigación, invita a mirar y vivir la calle, a reconocer el graffiti como un acto de resistencia estética, y una forma de conocimiento que dialoga con las prácticas creativas, las memorias urbanas y los cuerpos que las habitan.
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Carolina Sanz nace en Caracas, Venezuela. Desde el año 2018 reside y trabaja en Bogotá, Colombia. Artista transdisciplinar, investigadora, redactora, curadora y museógrafa, egresada de la Universidad Experimental de las Artes Armando Reverón (UNEARTE). Fundadora de la plataforma cultural independiente Caracas Arte Actual (2011), del Proyecto Artístico Internacional Travesía (2016) y del Zoonosis Project (2020).
Su obra como artista es multidisciplinar. Plantea lo pictórico desde un enfoque gráfico, fusionando diversas técnicas que utiliza para corromper imágenes propias o apropiadas, creando obras híbridas en las que se observa la mixtura de lo digital con lo tradicional. Sus temas abordan sucesos del cotidiano mundial confrontados con escenas de películas clásicas o acciones imaginarias, así como también la gestualidad e iconografía de la mujer en la historia, la religiosidad, los personajes cotidianos y transgresores, la migración, el sincretismo y la censura.
A partir del año 2010 inicia una investigación independiente sobre el registro de lxs escritores de graffiti de Caracas, dando como resultado la exposición Caligrafía y color. Modus vivendi. Episodio 1 (2012–2013), realizada en el Museo de la Estampa y el Diseño Carlos Cruz-Diez en Caracas. Posteriormente amplía esta investigación abordando Latinoamérica, logrando recolectar información documental sobre el graffiti writing en Argentina, Bolivia, Colombia, Ecuador, Perú y Venezuela.
Desde 2011 hasta la actualidad ha trabajado como curadora e investigadora en diversas exposiciones para instituciones públicas, espacios privados e independientes, museos y galerías. Entre 2013 y 2018 se desempeñó como Jefe Especialista de Museografía y curadora de artistas emergentes en la Fundación Museos Nacionales, en la Galería de Arte Nacional de Caracas. De forma independiente desarrolla investigaciones enmarcadas en las manifestaciones urbanas y del hip hop, con énfasis en el graffiti writing, el trainwriting, el rap y el arte urbano emergente.
Desde la dirección de CCS Arte Actual, ha editado, escrito y dirigido la identidad gráfica de todos los catálogos expositivos de esta plataforma, participando además como curadora y museógrafa en todas sus exposiciones. Ha sido jurado de selección y premiación en salones de arte prestigiosos de su país natal, entre ellos el Salón Nacional Arte Aragua (2014) y el Premio Municipal de Artes Visuales “Salón Juan Lovera” (2016). En Colombia fue jurado en el Festival Internacional de Arte Urbano (2022) y ha participado como ponente en charlas, conversatorios y seminarios sobre arte urbano en Venezuela y Colombia.
Desde 2022 hasta la actualidad trabaja para la Fundación Cartel Urbano (Colombia) como productora multimedia, desarrollando investigaciones, metodologías y curadurías en torno a las artes audiovisuales en el hip hop, dentro del Observatorio para la Libertad de Expresión Artística “Forma tu Bulla”, además de producir contenidos.
Durante el año 2025 ha sido curadora y museógrafa de la Sala Street Lab, espacio cultural creado por el Centro Colombo Americano, dedicado especialmente al arte urbano. Ha escrito textos para revistas, libros y publicaciones, entre los que destacan: el texto para el libro Caracas Nuestra (2020) del fotógrafo venezolano Ronald Pizzoferrato, editado en París por Editorial Nuit Noire; el libro Décadas. Tomo I Beek (2022), editado en Colombia; la revista especializada en arte urbano y graffiti Tramontana, Issue 6, editada en España (2023); y su participación como miembro del equipo de investigación y redacción del Diagnóstico de Arte Urbano y Graffiti 2013–2023 para Idartes (Colombia, 2023).
También ha realizado trabajos curatoriales y de dirección de arte en el campo audiovisual musical, entre los que destacan Yunke (2023), Viga (2024) y Cizalla (2025), producciones del grupo Metal, conformado por los artistas Marc Ginale (Lil Supa), 3M5 y Nichess One.
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Durante estos años (2019-2022) hemos vivido un intenso ahora. Esta investigación-acción-apropiación como pasión y activismo. En este caminar y
entender el viaje como modo de conocer se ha participado en coloquios,
eventos académicos y espacios de divulgación del conocimiento con el trabajo de
grado de la maestría en Ciencia de la Información, con énfasis en memoria y
sociedad, IV Cohorte, de la Escuela Interamericana de Bibliotecología de la
Universidad de Antioquia, el cual se titula Moravia Imaginada. Audiovisuales y
Memorias (1977-2021). Este proyecto es realizado por Víctor Hugo Jiménez
Durango.
Participación en coloquios
Coloquio de investigación: Maestría en
Ciencia de la Información con énfasis en memoria. IV cohorte. Escuela
Interamericana de Bibliotecología – UdeA. Socialización del proyecto de grado.
27 de noviembre de 2020. Moravia Imaginada. Audiovisuales y memorias
(1977-2021). Enlace https://youtu.be/o6dy6oz3W78?t=349
Coloquio de investigación: Maestría en
Ciencia de la Información con énfasis en memoria. IV cohorte. Escuela
Interamericana de Bibliotecología – UdeA. Socialización de avances en el
proyecto de grado. 7 de octubre de 2021. Moravia Imaginada. Audiovisuales y
memorias (1977-2021). Enlace https://youtu.be/Rj7c3vrg-QM?t=12300
Participación en eventos académicos, de divulgación del
conocimiento y de apropiación
Tejer memorias en tiempos de crisis
democrática: Encuentro de experiencias. Mesa temática Archivos, lenguajes y
estéticas de la memoria. Presentación de experiencia en la mesa del trabajo de
grado Moravia imaginada. Audiovisuales y memorias (1977-2021). 4 y 5 de
diciembre 2020. Enlace https://youtu.be/Cx22Dhj-0bA?t=3844
Moravia Audiovisual. Laboratorio de
Apropiación Documental. Cine foro, trabajo de campo experimental y espacio para
propiciar la exhibición/apropiación de ocho piezas de cine del barrio que
corresponden a cinco décadas de poblamiento del sector de El Morro y de
Moravia, entre 1970 y 2020, en cinco espacios distintos, con cinco grupos y
personas diversas, activas en los procesos formativos, sociales y culturales
del Centro de Desarrollo Cultural de Moravia - CDCM, entre el 1 y el 15 de febrero
de 2021, en el marco del trabajo de grado Moravia Imaginada. Audiovisuales y
memorias (1977-2021). Fecha del En Vivo 10 de febrero de 2021. Enlace https://fb.watch/96BslUWFiA/
Jornadas de la memoria. Cinemateca
Municipal. Conversatorio sobre el proceso de investigación de la tesis de
maestría Moravia Imaginada: audiovisuales y memorias (1977-2021). 21 de abril
de 2021. Enlace https://fb.watch/96AKgutuiA/
VI Muestra Regional de Historia. Mesa de
Patrimonio e Historia. Ponencia Moravia imaginada. Audiovisuales y memorias
(1977-2021). 5 al 7 de mayo de 2021. Enlace https://youtu.be/BA0WEUu0wtw?t=2355
Memorias Moravia. Parte del Laboratorio
Huellas de Moravia: reconstrucción de fachadas, bajo la dirección de Ingrid
Salcedo. Conversatorio de experiencias comentando el proceso Memoria Moravia y
el trabajo de grado Moravia Imaginada, se comparte con Moravia Resiste, la
cooperativa de arquitectura Coonvite y la artista Ingrid. Evento realizado por
Parque Explora, Exploratorio -taller público de experimentación- y el Centro
Cultural Moravia. 9 de junio de 2021. Intervención en (00:20:56) Enlace https://fb.watch/96B75Gn2ET/
La Maleta De María. Programa de radio
-podcast- de la emisora virtual Onda Digital U de la Universidad Cooperativa de
Colombia. Entrevista La Maleta de Víctor. 14 de junio de 2021. En https://youtu.be/boBbO1b9dKU
Maleta Textil de Cine Documental del
barrio: Moravia Imaginada. Presentación de la investigación, creación y
apropiación. 28 de junio de 2021.
Seminario interno de investigadores de
la Red de Memoria Política en América Latina. Asistencia como estudiante de
maestría miembro del grupo de investigación "Información, Conocimiento y
Sociedad”, línea Memoria. 10 de septiembre de 2021.
Festival de cine y vídeo de la comuna 13
La Otra Historia. Participación en conversatorio Gestión Cultural Comunitaria.
Intervención relacionada con el trabajo de grado Moravia Imaginada y la gestión
colaborativa de archivos audiovisuales para disponerlos a lo comunitario. Casa
de la Cultura Alcázares. 25 de septiembre de 2021.
Maleta Textil de Cine Documental del
barrio: Moravia Imaginada. Exposición y muestra de narrativas y creaciones
artesanales, textiles, gráficas y audiovisuales. Agenda artística cultural
territorial. 27 de septiembre de 2021. Enlace https://fb.watch/96C6ajZrdV/
XII Seminario Memorias Lúdicas del
Barrio. Orientador y ponente de JugaAndo, MemorAndo y CaminAndo. Construcción
de memorias lúdicas, barriales y comunitarias. En la charla se comparte el
proceso de investigación, acción y creación Moravia Imaginada. Septiembre 29 al
2 de octubre de 2021.
Maleta Textil de Cine Documental del
barrio: Moravia Imaginada. Maratón de cine, activación con los dispositivos,
socialización del proceso de investigación, creación y apropiación, más la
entrega del objeto de memorias. Diálogos ciudadanos Parque Biblioteca
Nororiental. 25 de octubre de 2021. Enlace https://fb.watch/96CwzKjrxi/
Jornadas de la memoria. Cinemateca
Municipal de Medellín. Celebración del día internacional del patrimonio
fílmico. Panel: Rescatando el patrimonio audiovisual de los barrios
populares. Moravia en las décadas de 1970 y 1980: Invasiones, desalojos,
movimiento de Los Tugurianos, Teología de la Liberación y cine etnográfico.
Invitados: Anne Fischel. Documentalista, realizadora del primer documental de
Moravia; Heroína Córdoba. Líder comunitaria y fundadora del barrio Moravia
(Fidel Castro); y Víctor Jiménez. Historiador, documentalista y gestor de
archivos audiovisuales y comunitarios. 27 de octubre de 2021. Enlace https://fb.watch/8VDKixuj8A/
Festival de cine de la comuna 6. Sexta
versión. Espacios académicos. Conversación sobre el cine documental en la
construcción de memoria barrial. Participan: Camila Flórez Quintero, Juan
Esteban Prado y Víctor Jiménez. 13 de noviembre de 2021.
